Musik-Kollaborationen: die Macht des "Feat."

Was ist das Besondere an der Zusammenarbeit von Künstlern, das zum Erfolg führt?

Die Verlagerung von Musikgenres aus ihren traditionellen Räumen und Publikumsschichten hat und wird sich weiter entwickeln und die Ausdrucksmöglichkeiten verändern. Die rasanten technischen Entwicklungen erleichtern die Suche nach neuen Arenen. Digitale Hard- und Software wird immer zugänglicher und preiswerter und ermöglicht es Künstlern so, ihre Musik auf neue Weise zu kommunizieren und ein neues Publikum zu erreichen. Gleichzeitig bieten neue Technologien kreative Werkzeuge für Menschen, die zuvor keinen Zugang zu ihnen hatten. TikTok zum Beispiel ermöglicht es den Hörern, Musik auf einzigartige Weise zu nutzen, indem es die Grenzen zwischen den Genres (und zwischen den Urhebern) aufhebt und neue Künstler zu viralen Sensationen macht. Jedes Jahr werden neue Plattformen und Medien populär. Dadurch verändern Sie die Art und Weise, wie das Publikum mit Künstlern in Kontakt tritt, und machen es einfacher, Musik mit einem Publikum zu teilen, das rund um die Uhr eine kuratierte Social-Media-Präsenz verlangt. Künstler fühlen das Bedürfnis, sich unablässig mit einem neuen Publikum zu verbinden, um relevant zu bleiben. Infolgedessen finden immer mehr Künstler einen Weg, diese Verbindung durch kollaborative Mittel herzustellen. Es gibt zwei Arten von Kollaborationen: die, die meist durch einen homogenen Stil innerhalb eines komplementären oder gleichwertigen Ansatzes entstehen und die, die einen als Künstler weiterbringen und durch das Experimentieren mit kultureller Vielfalt (vielleicht sogar) verändern. Unabhängig davon, ob genreübergreifende Kollaborationen im Büro eines Labels ausgeheckt werden oder von einem inneren Bedürfnis nach Innovation angetrieben werden, können sie enorme positive Auswirkungen auf die Karrieren von Musikern und auf ihre Musikszenen haben.

Viele Hände machen bald ein Ende, und Musik-Acts arbeiten heute mehr denn je zusammen. Zum Zeitpunkt der Erstellung dieses Artikels (6. Februar 2021) sind 50 % der Top 10 der Billboard-Charts Musikkollaborationen; und das am meisten gestreamte Album in Spotify für 2020 mit 3,3 Milliarden Streams ist YHLQMDLG des puerto-ricanischen Rappers Bad Bunny, das Kollaborationen mit Sech, Anuel AA und Daddy Yankee enthält.

Auch in Europa nehmen Musikkollaborationen stetig zu. Es lässt sich eine deutliche Zunahme der Zusammenarbeit zwischen Acts, Songwritern und Produzenten aus verschiedenen Ländern beobachten, die auf der Suche nach neuen Einflüssen und neuer Inspiration sind. Es gibt zahlreiche Beispiele. Sigur Rós‘ Sänger Jónsi Birgisson veröffentlichte 2020 mit Shiver sein erstes Soloalbum seit einem Jahrzehnt, auf dem Robyn, Liz Fraser und A.G. Cook von PC Music zu hören sind. Einer der Höhepunkte des neuen Albums der britischen Art-Rock-Band Django Django ist Waking Up mit Charlotte Gainsbourg ; „Wir bewundern sie schon sehr lange, sie ist nun mal französischer Musikadel”, erklärten sie. Philippe Cohen Solal von der Pariser Dub/Nuevo Tango-Band Gotan Project hat sich mit Mike Lindsay von der englischen Experimental-Folk-Band Tunng – zu der auch Adam Glover und Hannah Peel gehören – für ein neues faszinierendes Projekt mit dem Titel Outsider zusammengetan, das dem Künstler Henry Darger gewidmet ist. 

Kollaborationen haben eine alchemistische Kraft. Und wenn es etwas gibt, das wir uns von der Musik wünschen, dann ist es das Gefühl von Möglichkeiten und endlosen Horizonten. Zusammen mit Noémie Lecoq und Amorim Abiassi Ferreira surfen wir durch Frankreich, Spanien, Portugal und Griechenland, um einige der aktuellsten Musikkollaborationen und die Auswirkungen dieser kleinen, aber mächtigen Wellen in den Musikrealitäten dieser Länder zu beobachten.

Paneuropäische Kooperationen mit frankophonen Künstlern

Von Noémie Lecoq

Als die Popmusik in den sechziger Jahren aufkam, hatten französische Künstler bereits starke Verbindungen zu ausländischer Musik, auch wenn es mehr um Bewunderung und Aneignung als um Zusammenarbeit ging. Britische Songs ins Französische zu übersetzen, wurde in der Yéyé-Ära bald zu einem erfolgreichen Trend. Zugegebenermaßen war die Zusammenarbeit mit Künstlern aus anderen europäischen Ländern nie eine alte Tradition in der französischen Musik, wobei es schwierig ist, die Gründe dafür zu benennen. Könnte es an dem seit langem bestehenden Klischee liegen, dass Franzosen schrecklich in Fremdsprachen sind? Diese Partnerschaften sind oft das Ergebnis von Freundschaften oder romantischen Beziehungen über den Ärmelkanal hinweg und nicht irgendwelche Marketingstrategien, um Europa zu erobern – zum Beispiel Serge Gainsbourg und Jane Birkin, Françoise Hardy und Blur, Etienne Daho und Marianne Faithfull, Benjamin Biolay und Carl Barât…

Ein aktuelleres Beispiel ist Clara Luciani’s Duett mit Alex Kapranos (von Franz Ferdinand) auf einer sinnlichen Coverversion von Lee Hazlewoods „Summer Wine”. Genau wie bei den französischen Adaptionen aus den Sechzigern hat Clara ihre Parts ins Französische übersetzt. Zweifellos hat diese Zusammenarbeit sie international sichtbarer gemacht.

Durch die Entwicklung von Musiksoftware und Zusammenarbeit auf Distanz sind solche paneuropäischen Initiativen für französische Künstler, deren kreative Partner oft Briten sind, häufiger denn je. Jehnny Beth, die feurige Frontfrau von Savages, veröffentlichte 2020 ihr erstes Soloalbum, To Love Is to Live. Die französische Sängerin, die vor ihrer Rückkehr nach Paris einige Jahre in London lebte, hat einige ihrer britischen Freunde (Joe Talbot von Idles, Romy Croft von The xx, die Produzenten Flood und Atticus Ross), den irischen Schauspieler Cillian Murphy und den dänischen Künstler Trentemøller eingeladen. Als Frontfrau von Savages hat sie in der Vergangenheit bereits internationale Bekanntheit erlangt. Die Intention hinter all den Gästen auf ihrer Platte scheint es zu sein, Menschen zu versammeln, die sie respektiert, egal wo sie leben.

Eine weitere interessante paneuropäische Zusammenarbeit ist Banane bleue (es erscheint am 26. Februar), das kommende Album von Frànçois & The Atlas Mountains, produziert vom finnischen Musiker Jaakko Eino Kalevi und aufgenommen in Berlin, Athen und Paris. Beide sind bei Domino Records unter Vertrag. Dass beide auf demselben Label sind, hat ihre Zusammenarbeit vermutlich einfacher gemacht. Der französische Singer-Songwriter François Marry erzählte uns, was ihm vorschwebte: „Jaakko und ich beschlossen, zu versuchen, zusammen zu arbeiten, also ging ich nach Berlin, wo er lebt. Ich blieb für fünf Tage und wir nahmen vier Tracks auf, von denen zwei ihren Weg auf das Album fanden. Ich habe schon immer gerne mit nicht-französischen Produzenten gearbeitet. Ich habe immer die Befürchtung, dass ein französischsprachiger Produzent versuchen würde, die Texte mit der Musik zu veranschaulichen. Ich ziehe es vor, mich auf die Klänge der Worte zu konzentrieren, anstatt darauf, was sie bedeuten. Jaakko ist ein Ästhet, ich mag die Art, wie er seine eigene Musik mit einem Gefühl von Eleganz und Zeitlosigkeit vereinfacht. Die Arbeit mit neuen Leuten ist für mich eine Möglichkeit, Selbstkarikaturen zu vermeiden und neue Musikgalaxien zu erkunden.”

Eines der vielen Beispiele in der frankophonen Musik sind die beiden belgischen Brüder von Yellowstraps, die im vergangenen Jahr mit dem Projekt Yellockdown eine dringend benötigte Quelle der Kreativität und Kommunikation geschaffen haben. Von März bis Juni 2020, als das Land sich im Lockdown befand, forderten sie sich und andere Künstler heraus: ein Track pro Woche, geschrieben innerhalb von nur 24 Stunden, jeder Track mit einem anderen Künstler aus der ganzen Welt.

In einem vielfältigen kulturellen Umfeld wird die gegenseitige Befruchtung von Musik gefördert und es werden kreative Wege gepflegt, die Künstler und translokale Musikszenen verbinden.

Ein Kollaborationsdreieck zwischen Portugal, Frankreich und Spanien

Von Amorim Abiassi Ferreira

Das Dreieck Frankreich, Spanien und Portugal sprudelt nur so vor kreativen Energien und Partnerschaften. Wir haben Kollaborationen von Pop-Giganten wie Rosalía (Spanien) und Billie Eilish (USA) erlebt und Projekte, die der Folklore und Tradition neues Leben einhauchen wollen, wie die Zusammenarbeit von Lina (Portugal) oder Cocanha (Frankreich) mit dem Produzenten Refree (Spanien). Die Geschichte hinter jeder dieser Kooperationen beflügelt unsere Vorstellungskraft, was alles möglich ist, egal ob Menschen am selben Ort zusammenkommen oder Tausende von Kilometern zwischen ihnen liegen, damit sie zusammenarbeiten können.

Das französische Elektro-Duo Synapson wollte Stimmen aus der ganzen Welt in seine Musik einfließen lassen und sich von amerikanischen und britischen Tropen lösen, die sich in der elektronischen Musik unendlich zu wiederholen scheinen. Das Duo, das durch „Djon Maya Maï” bekannt wurde, wollte zurück zu der Verschmelzung der Kulturen, die sie überhaupt erst auf die musikalische Landkarte gebracht hat. Daraus entstand das Album Global Musiques vol.1, eine Veröffentlichung, die dem Überschreiten von Grenzen gewidmet ist. Darauf ist auch kein Geringerer als der feurige Pongo zu hören, der auf der Kalimba-lastigen Single „Lengueno” auf Portugiesisch mit Kreolisch singt.

Was auch klar ist, ist die Stärke, die die spanische Sprache in der kommerziellen Musikwelt gewonnen hat, wo normalerweise Englisch vorherrscht. Die jüngste Zusammenarbeit von Rosalía und Billie Eilish bei „Lo Vas A Olvidar“ wurde zum aktuellsten Beispiel dafür, als der Teenie-Popstar die Welt damit überraschte, auf Spanisch zu singen. In einem Interview mit Zane Lowe erklärte sie: „Als wir den Song schrieben, erinnere ich mich daran, dass sie [Rosalía] sagte: ‚Es sollte auf Englisch sein‘ und ich sagte: ‚Nein, nein, nein, es sollte auf Spanisch sein, das ist so schön.”

Der Mann der hinter Rosalías erstem Album Los Ángeles steckt, wurde eingeladen, in Portugals Fado-Häuser zu gehen, um mehr über einen der traditionellsten Musikstile des Landes zu lernen. Dort traf er Lina, und als sie ins Studio gingen, stand die Entscheidung fest, wie Refree uns erzählte: „Vom ersten Moment an, als ich mit ihr spielte, wusste ich, dass ich in der Lage war, etwas zu sagen, etwas aus diesen Liedern zu machen. Sie sind so bekannt, dass ich etwas Neues schaffen konnte.” Zwischen Lissabon und Barcelona entstand eine Neuinterpretation des Fado, die mit Synthesizern und Klavieren statt der traditionellen portugiesischen Gitarre arbeitet, das Genre in ein unbekanntes Terrain führt und ihm internationale Anerkennung einbrachte.

Eine Band aus Toulouse, Frankreich, namens Cocanha nahm ebenfalls Kontakt zu Refree auf, nachdem seine Arbeit an Rosalías Debüt sie begeistert hatte. „Raül kennt das traditionelle iberische Repertoire sehr gut, von der Arbeit mit Sílvia Pérez Cruz, Lina, all diesen Künstlern mit traditionellen Wurzeln”, sagte Caroline Dufau, Sängerin der Band, „wir haben ihn aus heiterem Himmel kontaktiert, weil wir als Künstler sehr unbekannt sind und er sehr bekannt ist. Ihm gefiel die Idee und er sagte ja.” Das Trio singt traditionelle okzitanische Lieder, die eng mit dem katalanischen Erbe verwandt sind, von dem umgeben Refree lebt. „Ich wusste, dass es eine Low-Budget-Platte war, aber ich wollte sie unbedingt machen”, erzählte er uns. Refree produzierte schließlich das Album Puput, in dem sie neue Wege fanden, die Tradition des okzitanischen Gesangs zu präsentieren: „Manchmal nehmen wir heutzutage alles getrennt auf und vergessen dabei, wie gut es sich anfühlt, eine Band gleichzeitig spielen zu sehen. Und ich wollte, dass sie die Energie haben, die sie früher hatten, wenn sie live zusammen spielten.”

Musikalische Kollaborationen beinhalten einen Dialog, einen Austausch, eine Interaktion über Raum, Zeit und Kultur hinweg. Die oben genannten Standpunkte über Frankreich, Portugal und Spanien eröffnen ein Gespräch darüber, in der Musik so offen wie möglich zu sein, was die musikalischen Stile angeht, um Veränderungen und Kollaborationen zu beobachten. Auch in meinem Land, Griechenland, versuchen Musiker, zusammenzuarbeiten und Fusionen und Crossover zu schaffen.

Griechische Alternative-Musik: Auf der Suche nach neuen musikalischen Territorien

Von Maro Angelopoulou

Eine neue Generation griechischer Künstler spiegelt das wachsende Genre-Hopping-Phänomen und den Multikulturalismus durch Kollaborationen in einer der gesünderen Musikszenen des Landes wider: der alternativen, egal ob es sich um Folk, Pop oder andere handelt. Es gibt eine riesige Hip-Hop- (die schon immer das am meisten kollaborierende Genre war) und eine Alternative/Indie-Szene im Moment – beide werden aber leider von der Mehrheit der lokalen Radiosender übersehen. Das Erreichen eines neuen Publikums durch neue Medien wird immer bedeutender für einheimische Künstler, die über die Grenzen des Landes hinaus nach Inspiration suchen und beweisen, dass Menschen aus allen geografischen Lagen und vermeintlichen Schranken sich kreuzen und Partnerschaften finden können. Solche Fälle sind Smalfeels und Irene Skylakaki.

Smalfeels  (aka Nikos Yiannakakis) ist ein aus Athen stammender Indie-Pop-Musiker, der mit der polnischen Cellistin/Bassistin und Sängerin WERA für den Song „Easy” von seiner 2020 erschienenen Mini-LP Some Stars zusammenarbeitete. Smalfeels sprach begeistert über diese Zusammenarbeit und beschrieb Wera als eine perfekte Ergänzung: „Wera ist eine Künstlerin und Performerin, die ich wirklich bewundere, und ich bin unglaublich glücklich, dass wir in den letzten Jahren auf vielfältige Weise zusammengearbeitet haben.”

Vor einigen Jahren wäre eine griechische Kollaboration zwischen einem Nu-Retro-Pop-Musiker und einer Künstlerin, die mit Loops aus Cello und Stimme experimentiert, etwas, worüber man staunen konnte. Vor allem, da viele Künstler bei Kollaborationen zurückhaltend sind, vielleicht aus Angst, ihre eigenen Wurzeln aus den Augen zu verlieren. Aber Smalfeels fällt nicht in diese Kategorie. „Ich bin ein großer Fan von Kollaborationen, in der Musik und bei kreativen Projekten im Allgemeinen. Normalerweise ist es nicht einfach, weil jeder Künstler seine eigene Art hat, an den kreativen Prozess heranzugehen, und bevor man mit dem Schreiben beginnt, muss man im Grunde eine neue gemeinsame Sprache schaffen. Meiner Erfahrung nach geht die meiste Arbeit also eher in die Pflege der Beziehung als in die eigentliche Musik”, sagt er.

Smalfeels ist sogar optimistisch, wenn es um die Zukunft von Musik-Kollaborationen in Griechenland geht. „Während der Pandemie sind Kollaborationen jeglicher Art aufgrund der Einschränkungen schwierig geworden. Ich habe aber das Gefühl, dass es, wenn das alles vorbei ist, ein Verlangen nach Verbindung geben wird und Künstler begierig darauf sein werden, sich kreativ die Hände zu reichen und gemeinsam zu kreieren.”

Irene Skylakaki sorgt mit ihrem aktuellen Album Souvenir weltweit für Aufsehen. Im gleichnamigen Track ist der schwedische Singer/Songwriter Jay-Jay Johanson zu hören; David East (bekannt für das epische Video zu „Neptune” von den Foals) führte beim Video Regie. Irene ist eine bekenntnishafte Künstlerin, mit einfühlsamen Texten. Aber kann es zu Kollaborationen kommen, wenn sich das Schreiben so persönlich anfühlt? Irene meint: „Kollaborationen entstehen, wenn man sich mit dem Chaos verbündet, wenn man offen dafür ist, angenehm überrascht zu werden von dem, was man erschafft. Großartige Dinge können von einem Team von Menschen gemacht werden, und ich finde mich während der kreativen Arbeit immer mit einem Team beschäftigt. Obwohl ich alleine schreibe, ist die Beteiligung vieler Leute notwendig und entscheidend, bis wir am Ende einen fertigen Song haben.”

In der Zusammenarbeit mit Johanson fließt ihre gemessene, langsam brennende Folk/Pop-Ästhetik ein. Die beiden lernten sich kennen, als sie die Vorgruppe für den schwedischen Künstler in Athen war und er von ihrer Performance beeindruckt war. Ein paar Monate später, in London, begleitete Irene ihn mit ihrer Gitarre auf der Bühne. „Wir fingen an, über unsere Projekte zu sprechen, also schickte er mir einen Song von sich und ich schickte ihm „Souvenir”. Er sagte, dass er ihn wirklich mochte und schlug vor, einen Remix zu machen. Er schickte ihn mir mit seiner eigenen Stimme zurück, als Duett! Diese Zusammenarbeit war ein echtes Geschenk,” erklärt sie.

Irene teilt ihre Zeit zwischen Athen und London auf, und das hat sie als Künstlerin beeinflusst. „Die Menschen, die ich dort getroffen habe, und meine Kollaborationen dort haben mich künstlerisch geprägt, genauso wie meine Kollaborationen in Griechenland,” gibt sie zu. Für ihr viertes Album arbeitet sie auch mit dem britischen Bassisten Iain Gordon-Smith und dem Londoner Musiker/Produzenten Andres Mesa zusammen. „Ich habe Andres in London kennengelernt, wo er im Studio von Phil Manzanera (Roxy Music) als Tontechniker gearbeitet hat. Wir begannen bald, einige Demos zu schreiben. Mit Iain haben wir es geschafft, aus der Ferne zu arbeiten. Kollaborationen sind menschliche Verbindungen. Und sie sind Lebenslektionen!”, sagt sie.

Wege schaffen: Das Alte, das Neue und der „Hype”

Für die meisten Künstler ist die Zusammenarbeit vor allem eine Möglichkeit, Gewohnheiten zu durchbrechen – und Neuland zu betreten. Mit der Tradition des eigenen Landes experimentieren, eine neue Technologie einbringen, etwas Neues schaffen, nach länderübergreifenden Kooperationen suchen, Grenzen und Traditionen brechen… Die Wege sind vielfältig. Und die Ergebnisse können unvorhersehbar sein und sich manchmal stark von der „normalen” Arbeit eines jeden Musikers unterscheiden.

Aber man kann sich fragen: könnte dies ein revolutionäres Paradigma oder ein notwendiges Attribut der Musikevolution sein? Die Antwort ist einfach: Es kann beides sein. Vor allem durch Beispiele wie Rosalia (über die wir uns hier bei Europavox besonders freuen, da wir eine der ersten waren, die ihr Talent im August 2018 entdeckt haben!) und ihren neuen Ansatz in der Flamengo-Musik, oder im Fall von Lina_ Raül Refree und ihrer Neuinterpretation des Fado oder beim griechischen Beispiel der traditionellen thrakischen Musikband Evrytiki Zygia und ihrem 2020 erschienenen internationalen Debüt Ormenion, einem ekstatischen World-Fusion-Traditional-Electro-Mountain-Folk-Album, scheint es, dass durch das (Wieder)aufgreifen der musikalischen Tradition eine große Möglichkeit besteht, eine ganz neue Szene zu schaffen, die zu einem „Hype“ werden kann, wenn auch ungewollt.  Erholung und Verwandlung kann durch das Bedürfnis des Acts, festen zeitgenössischen Interpretationen zu entkommen, vorangetrieben werden.

Die Kollaboration mit sorgsam ausgewählten Musikern, die bereit sind, Neuland zu erkunden, kann sehr wohl dazu führen, potenzielle neue klangliche und technische Möglichkeiten zu erforschen, insbesondere in der Post-Brexit-Ära und der neuen Dynamik, die sich ergeben wird.

Was wäre also, wenn wir, anstatt das „Neue” woanders zu suchen, in unser eigenes Territorium schauen? Was wäre, wenn wir, anstatt darauf zu warten, dass die anderen einen Markt schaffen und dann Wege finden, sich diesem anzupassen, unseren eigenen schaffen? Was, wenn wir alle etwas Neues aufbauen können, von Anfang an? Hier bietet sich die Möglichkeit, unsere kulturelle Vielfalt durch Musik zu präsentieren und zur Entwicklung neuer künstlerischer Praktiken und Kreationen beizutragen, indem die grenz- und genreübergreifende Zusammenarbeit gefördert wird.

Und das ist definitiv vielversprechend.

Von Amorim Abiassi Ferreira, Maro Angelopoulou, Noémie Lecoq.